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• 很惊艳的、要慢慢品的一本古风权谋小说

  作者：是晶晶呀 发布时间：2024-04-27 21:05:41

  我终于读到了慕名已久的唐酒卿大大写的大格局古风权谋小说《将进酒》。

  全书共分为4册。前两册由江苏凤凰文艺出版，后两册由天地出版社出版，深觉它能出版纸质书真是不容易啊。

  我读了近3个星期才读完，这部小说讲了一个非常消耗脑细胞的故事。读完一整个爱上了。

  

  首先，感觉作者是一个逻辑怪，讲了如此曲折复杂的故事，八大家、四大将，没有bug，每个人物、每件事情都按照事情的发展迎来了自己的结局。书里贴心附上了庞杂的人物关系图和地形图供大家参考，这本书真的很需要。

  其次，作者真的很会塑造人物群像，《将进酒》的一个亮点是无论主角配角，情节多少，没有废角，没有扁平的工具人。主角萧策安和沈兰舟的人设太吸睛了。萧二是意气风发的离北的狼，像自由的风和阳光；兰舟从si人坑里逃出来，一步步从罪臣之子走到了天下共主的地位，坚韧勇敢。配角如胆小且身不由己的李建恒，聪慧大义的花香漪，无畏深沉的帝师齐惠连，温柔大方的陆亦栀，等等。太多的遗憾和意难平。

  第三，里面人物的情感非常很饱满。策舟的神仙爱情，纪纲与兰舟、萧方旭与萧家兄弟的父子情，萧驰野和李建恒微妙复杂又动人的友情，纪暮和兰舟的兄弟情，姚温玉和乔天涯的遗憾，都让人动容。

  

  唐酒卿大大的文笔也是一绝，分享一些我喜欢的句子。

  1.我的后背交给你，你的胸膛交给我，我们缺一不可。我要在离北给你挑最好的马，我们就在中博与离北的交界线上搭建屋舍，每月都要见。你要娶我，两百万不够，我要千金难买的兰舟笑。

  2.萧驰野不需要被当作瓷器，他是铁，是钢，还是沈泽川的鸿雁山。

  3.我本放逐臣，又为乱世雄。圣贤招文席，英豪进吾觳。萧关闻边笳，铁蹄逐寒水。老将秣马行，瀌雪征衣重。山雪明霜星，狼戾杀豺鹰。归鞘掸袖尘，闲云濯红缨。病仙携酒游，松月空弦音。明堂欢宴起，破盏击筷饮。且尽杯中酒，纵欢高殿里。醉倒狂歌中，无须问功名。

  4.人生不求大功德，平安顺遂富贵乐。我祝你功成身退，长命百岁。

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• 每个人都曾经是维特

  作者：巴拉克 发布时间：2006-05-27 23:57:13

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• 这是，与神同行

  作者：荔枝枝 发布时间：2019-07-22 01:39:23

  《弦理论》，光听这个名字就觉得充满了作者学术性的趣味。其实，在此书之前，我不知道大卫·福斯特·华莱士还专门为网球著书，我只知道他为纽约时报写过费德勒，为哈珀杂志写过豪华游轮的旅行，以及用某种古怪的，高等数学的方式写过自己的家乡。

  可是，网球？

  老天，还是不要吧。

  多无聊呀。

  事实上，我猜对了。作为一个忠实的DFW的粉丝，我可以十拿九稳地告诉你，这本《弦理论》并不适合一般读者。如果你从来都喜欢读仙侠，玄幻，那你一定读不下去。因为行文过于九拐十八弯，并且无一句着眼与可见的永恒，字字句句皆是在讨论转瞬即逝的判断与探究。如果你经常在远离尘嚣的自我为主线的超级文艺书籍里游走，那你一定也是读不下去的。因为这显然不是一本文艺的书，没有印花布的裙子，没有死气沉沉的充满小装饰的房间，更没有恋物癖式的细软堆砌。每一篇都比你预料的要更深刻，更真诚，也因此更能惹得人潸然泪下。

  全书5篇散文，总共只有小巧而精致的197页。但说实在话，要读完它们，不容易。“读完”并不仅仅只是确保眼球扫过所有排列整齐的字符，也不是你“感觉”你理解了它。因为DFW太过敏感，其行文也相当敏感，当你说“读完”的时候，你的感受应该是，我知道每一篇说的是什么，我理解它的字面意思，我跟理解力透纸背的某种感觉。一种快乐，一种悲凉，一种超越世俗的似乎根本不可能存在却真实的因DFW而存在并展示在你面前的巨大而磅礴的真诚。

  它会给你全新的阅读封赏：原来读一本真正值得的好书时，你是需要付出的，你是需要不断精进你的阅读技巧与功夫的。《弦理论》（DFW代表作合集之一）需要你这么做，甚至要求你这么做。

  而这么做有什么后果呢？

  相信我，当你结束阅读这本《弦理论》，当你真的合上那标注着197的页面，你应该感到：你变成了一个更好的人，一个更聪明的人，甚至，两者都是。

  这就是后果。

  不仅《玄理论》如此，DFW几乎所有的写作都有这种推动作用。但关键就在于，你要认认真真读完它。

  其中四篇，我都在别的地方看过，翻译略有不同，有的通篇充斥着网络行文的气息（比如，亦人亦神的费德勒）有的则充斥神性启迪一般的气息（比如：伤我心的特雷西·奥斯汀），但此次合集很幸运地把所有的好文章都聚在一起了。我不知道出版社是否给文章的排序给予了严密的考量，是否是因为读者的阅读的愉悦程度来安排文章的先后，但这本《弦理论》的排序，显然是相当好的。

  一开始，它就让你走进DFW的家乡：旋风谷——这是他给美国中西部，伊利诺伊州法洛取的戏谑的名字。之后，让你知道他在那里做什么：打网球。更具体一点来说，作为一个真正的专业级别的少年网球手在打网球。整个文章充斥着微积分的计算，令文科生头痛的勾股玄的说辞，缺少博人眼球的兄弟情、少年恋爱，只有越来越令人烦躁的龙卷风，敏感的青春期。DFW会给你一种阅读感受，让你感觉到这种青春期的躁动和惶惑。而不是写在那儿：诺，这就是青春，看见了吗？

  第二篇，写天才网球选手特雷西的。没人知道她，至少在中国没人。DFW似乎也无异将她和盘托出，通身介绍一番，他写她，只是为了讨论一个重要但几乎没有拿到台面上来讨论过的问题（DFW一贯如此）：伟大的天才身上是如何将彻底的卓越与木讷完美结合的。他们对自己的天赋的表述为何充斥着陈词滥调？她们到底是天才还是白痴？

  DFW在最后给出了答案，木讷正是运动这种天才的精髓所在。

  在这里，如果你真的读完了这篇文章，你会感到一阵说不清道不明的黯然神伤。是呀，如果朝这个方面去理解那些相同的人，我们就能很好的收敛起自己的傲慢与急躁，不是吗？这不就是成为更好的人吗？

  第三篇，全文很长，全篇只说一个人，1996年时，世界排名76的，意气风发的网球选手迈克尔·乔伊斯。这篇与上一篇说特雷西的，更好相得益彰，成为催化泪水的好哥俩。乔伊斯，22岁了，有着通常职业网球选手都有一边粗一边细的胳膊，正征战于各路竞标赛、巡回赛与资格赛的路途中 ，为了谋生也为了自己。通常，陈词滥调里会写他如此从一团乱麻的原生家庭中崛起，从童年一路杀到青年，年纪轻轻就有了世界级别的排名，等等。这只有恨他的人才会这么写。而真正爱他的理解的人，比如DFW，只会徒手拨开迷雾，直击问题核心：日复一日地为网球而活，到底是什么感觉？

  泪点，会有真实的悲伤催化而出：是的，当我们所有人都在惊叹于网球选手那不可思议的天赋时，我们很少能考虑到他本人，也陷在网球的世界里了，他没有读完高中，朋友也都是通过打网球认识的，无论从哪个方面看，都像是被玻璃箱隔离到静默动物：付出太多，陷得太深，木已成舟了。幸运，也不幸。

  略过没有中心人物的篇章，第四篇。我们终于迎来了最气势磅礴也是最具娱乐精神的一篇：“亦人亦神的费德勒”。在网络上，这篇译文的标题叫做《费德勒：一场宗教体验》。如果你已经被之前的四篇的学院气质熏陶得跌宕起伏，不知所以。那么，这一篇对于你来说是真正的：冰镇可口可乐+加料热狗+年少轻狂暑假午后，意思：从头爽到尾。

  我不愿“剧透”太多，但我敢保证，这篇绝对是《弦理论》的主打之一。当年我第一次读，那种全3D式的沉浸式的阅读感受，我至今再也无法获得。我记得，我背对着自己家的窗户埋头苦读，DFW说道风，我就感觉到风在我耳边刮，DFW说到小男孩，我就真的能看见小男孩从人群中穿过。他说到人声，我就真的听见了此起彼伏的呐喊。

  我还记得——这是真事——读完之时，我似乎嗖得站起来，摇摇晃晃，我看看周围，就像做梦一样，自言自语道：怎么会在这儿，在自己家里，我不应该在赛场上吗？观众的呐喊与风声渐行渐远，但我依然能依稀分辨。过了好一会儿，我才反应过来，刚才是陷在DFW的字里行间了。

  意识到这一点后，周围开始失色，暗淡，凋零成它本来的日常的样子，过于乏善可陈，以至于我感到一阵阵不自觉的愤怒，我想要回去，回到书中的赛场上去。但不可能了，那种引人入幻的阅读体验已经消失了，就像魔法，就像爵士乐，就像转瞬即逝的幽默。

  《弦理论》把这篇放在最后，显然不想让你太过兴奋，以至于忘了书里还有其他的瑰宝。或许，就像它的名字《弦理论》一样，五篇文字，打着转转，向你袭来，企图将你的一般性的阅读神经打造成真正的专属于DFW的高速髓鞘质，从而实现交流、阅读、学习技能的大幅度提升、探索并得出人之成为人的关键所在，而你真的体会到这一点时，费德勒出现了，微笑着，奉上真正的最令人目瞪口呆的阅读体验，说着，“你付出了这么多，身体与精神都焕然一新，是时候来点高级享受了。”

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• 这个审美低俗化的时代，还有没有救了？

  作者：李小丢 发布时间：2020-05-02 10:11:45

  前段时间，所谓喊麦神曲《惊雷》的原唱（抱歉实在是记不住这位大兄弟叫什么名字）对杨坤隔空喊话，说

  「音乐没有高低之分，存在即合理」「能让人感受到快乐的音乐，就是好音乐」

  ，脱离上下文的语境来看，这句话说的冠冕堂皇，没什么大毛病。

  

  但是任何一个稍微有点审美的人，点开《惊雷》听上一分钟，相信都会跟杨坤一样，有种不小心吃了口屎的感觉，杨坤直接懵逼了，说“太难听了，

  这唱的是神马东西

  ，俗气，这就不是一首歌。”

  

  看看《惊雷》这词儿，这是词儿吗？不就是毫无意义的词藻堆砌？就这，还是抄袭了人家某部修仙小说。至于调，抱歉，喊麦基本没调，就是跟着伴奏喊词儿。

  

  那到底，是谁给《惊雷》原唱勇气，让他对杨坤说出「

  比你的任何一首歌都要火。

  」这句豪言壮语的呢？

  大概不是梁静茹，而是抖音快手上成百万上千万用《惊雷》伴奏的短视频吧。

  如果以短视频用作伴奏的数量计，《惊雷》可比周杰伦、四大天王、王菲等天王天后的任何一首作品都要火，更别提贝多芬莫扎特啥的了。

  不独《惊雷》，曾经的网络神曲，《老鼠爱大米》、《最炫民族风》、《小苹果》，再到短视频带火的《学猫叫》，包括杨坤的抖音神曲

  “爱就像蓝天白云，晴空万里，突然暴风雨”

  ，最火的时候，都火到让肖邦沉默，柴可夫斯基落泪的程度。

  可是，真有人以为，这些神曲在当时比历史上的所有经典名曲都要火，就证明它们比经典更有价值，所以值得骄傲吗？

  真是太天真了。

  除了从2018年穿越回来的人之外，现在谁还唱《学猫叫》？

  网络神曲，过时的太快，不过是速朽的方便食品而已。

  人们之所以对《惊雷》原唱居然对杨坤大放厥词的举动反应颇大，其实是对他的极端自信感到一种深深的恐惧。

  当我们在满大街上听到人外放《惊雷》，当我们在现实生活中看到越来越多的网红脸，看到大小银幕上的女演员的脸都逐渐变得硅胶化……

  我们深刻地意识到，原来，无论怎么批判网络神曲和网红脸低俗无美感，但是架不住沉默的多数用脚投票让它们在我们生活中泛滥成灾，渐成主流。

  绝望吗？绝望。

  直到近来无意间翻开意公子的《大话西方艺术史》这本书，我的绝望和焦虑被缓解了很多。

  很多讲艺术史的书籍，往往将重点集中在针对画家生平的描述和对具体作品的解读上，没有很好地将艺术发展嬗变的脉络厘清，往往让读者只知其然，而不知其所以然。

  

  而这本由头号艺术自媒体「意外艺术」积累八年而成的《大话西方艺术史》一书，正好借着西方艺术史上的经典作品梳理了人类对于审美的意识萌生、发展和变化，也解答了我正在迷惑的问题。

  每次看到西方艺术史上浩如烟海的传世名画，人们往往会产生一种感觉，认为之前的时代人们的审美比现在好，要不怎么经典那么多，现在的那些所谓的艺术家们，画的都是些啥！

  当然，这是一种错觉，

  经典的产生，是有时间差的。

  任何时代都有其流行的审美趋势，或者说是审美局限性。

  现在公认的经典未必是当时的流行，比如生前寂寞的梵高，因为审美意识太过超前而不被时人所接受。

  而当时的流行经过时间的检验，能够流传后世成为经典的，少之又少，比如《惊雷》，注定会比它的原唱入土更快。

  不说网络神曲，就连获得过诺贝尔文学奖认可的作家，现在很多人的作品也早就进了故纸堆，渐渐被人所遗忘，例如1925年诺贝尔文学奖得主萧伯纳的剧作，现在少有剧院再排演上映。

  

  △萧伯纳是个一流作家，可当时写出来的剧作，也不过是二流作品，他的剧作与时代贴的太近，缺乏跨时代的人性观察。

  时间是残酷的，也是公正的。

  之所以我们感觉以前的审美比现在好，纯粹是因为以前糟糕审美的东西大都没有留存下来。

  比如艺术史往往会从古希腊古罗马的雕塑，嗖一下蹿到一千年之后的文艺复兴时期，黑暗的中世纪没有艺术吗？

  不能说完全没有，但是中世纪的文盲率很高，教廷的意志又空前强大，束缚着人们的创造力和想象力，当时的艺术品只能创作宗教题材，而且由于基督教教义规定「

  禁止偶像崇拜」

  。所以古希腊和古罗马雕塑，例如《拉奥孔》中将人的情绪淋漓尽致的表现出来的手法也不再被允许。

  

  △即便不了解《拉奥孔》的故事背景，也能从人物恐慌、挣扎、绝望的表情和动作中感受到故事的氛围，从而被雕塑传达的情绪所感染。

  中世纪的宗教画上人物都是相似的，五官扁平，表情呆滞，完全没有灵气，目的只是让民众通过画中描绘的宗教故事感受到神的伟大，而不是画作本身优秀与否，这种当时由上而下制造的审美趋势带动大规模

  「流行」

  的艺术品，也就很难再被后人所认可了。

  

  △中世纪镶嵌画《面包和鱼的奇迹》

  这充分说明，审美的发展，和历史的发展一样，并不是一直向前的，甚至不是曲折向前的，它经常会倒退，会复辟。

  比如现在流行的不开美颜不修图就不发自拍的行为，古已有之。

  伦勃朗的《夜巡》背后的故事大家并不陌生，之所以让定制此画作的民兵队员们感到不满，不仅因为伦勃朗运用光线造成了强烈的明暗对比，挑战了人们对传统绘画理念的认知，更重要的是，如果将伦勃朗比作一名摄影师，客户对他最不满的，是他的后期美化效果不符合期待。

  据意公子的分析，17世纪的荷兰不仅流行个人肖像画，政府、企业和民间的各种小团体也很流行定制集体肖像画，就类似于我们现在的毕业大合照。

  大合照的要求是什么呢？

  不求把每个人照的多漂亮，但是每个人的脸你得拍清楚吧，每个人所占的空间大小也差不多。

  最开始，伦勃朗就是靠集体肖像画走红的，那副画叫《尼古拉斯·杜尔博士的解剖学课》，他创新性地选取了老师和学生们上课的一瞬间进行绘画，捕捉到每个人的不同神态，他们没有再呆板的正面面向镜头，而是在个人面容清晰的基础上呈现出了鲜明的个性，让一件命题作品成为了不朽的艺术品。

  

  这样的创新是被当时的审美所接受的，但是《夜巡》里再进一步的尝试却成为了伦勃朗命运的转折点，是因为在那张“大合照”里，所有人都花了一样的钱，但是有的人被聚光灯选中成为了画中的主角，有的人却因为光线太暗几乎连脸都看不清，成为背景板的人肯定不高兴了。

  

  他们并没有将自己的肖像画上升为艺术品的期待和觉悟，他们只是抱着去照相馆拍了张集体照的想法，评价的标准很简单：

  我占据的空间多一些、显得好看一些的照片就是好照片。

  如果现场拍的不好，摄影师后期给调调亮度，加个滤镜，让我变得醒目点、好看点不行吗？

  对审美有追求的伦勃朗拒绝了，客户拒绝付款并给他打了个差评。

  你说谁冤呢？回到当时的情境里，其实大家都很冤，因为出发点不一样，就像现在的摄影师给明星拍时尚大片，你想拍的艺术点吧，但是人家只是拼命要求你给她P白点、P瘦点，下巴P尖点，因为流行的审美就这样，我哪管艺术不艺术的事儿呢？

  大家都被流行的审美所绑架，正同当时民兵团的成员和《惊雷》的原唱都以为自己是真理在握的一方，只有时间能够证明，伦勃朗和杨坤才是正确的一方。（当然杨坤自己的音乐在历史长河里的位置也并不会比《惊雷》高出太多，但他起码懂什么是音乐，什么连音乐的门都还够不上。）

  意公子在书中也回答了

  「音乐没有高低之分，存在即合理」

  这种论调，虽然我们常说艺术是人的主观感受，本身不该有优劣之分，但凡能打动你的，让你感到快乐或痛苦的，对你个人而言就是好作品。

  但是，人类的文明进程中有数不清的作品，大到被拍出天价的梵高莫奈等人的油画，小到学童的随笔涂鸦，怎么可能没有高低好坏之分呢？

  究竟什么才算是公认的艺术，公认的优秀作品呢？

  以达芬奇的《蒙娜丽莎》为例，对于蒙娜丽莎似笑非笑的神情，五百多年来没有统一的定论，她的表情似乎会随着观看者心情的变化而变化，有时感觉在笑，有时感觉微笑中透露着悲伤，有时感觉她的嘴角似乎藏着一丝嘲讽。

  

  这源于达芬奇的“明暗渐隐法”给人造成的视觉差异，科学家在采用技术手段探测后发现，蒙娜丽莎的眼角和嘴角竟然有将近40层的超薄油彩。薄到什么程度？

  每层油彩的厚度不到两微米，相当于头发丝直径的五十分之一。

  人们猜测，达芬奇是将这些油彩涂在手指上，再用手指逐层晕染到画布上，这两处轮廓模糊，由暗到亮的过渡连续而自然，没有清晰的分界，所以画中人的表情就介于似笑非笑之间。

  用今天的自拍照的流行趋势来衡量，《蒙娜丽莎》是明显不合格的，她不够白不够瘦，没有瘦脸开大眼角，没有粉嫩的口红腮红，更没有萌萌哒特效，甚至还有个圆润的双下巴，但是蒙娜丽莎让人感受到人的情绪，人的魅力，甚至人的灵魂，令人着迷，神往，想要一再探究，而不是一个肤浅的

  「好看」

  可以涵盖的。

  这是因为，一件能被成为经典的艺术品，离不开作者反复打磨的技巧和精妙的想象力，它能调动受众的情绪和想象力，甚至超越了时间、空间、国别和语言的界限，用令人震撼的极致美感直击心灵。

  这就是艺术长盛不衰的魅力所在，也是衡量一件作品能不能达到艺术品的基本标准。

  所谓的

  「美」

  ，从来不是一成不变的，任何时代都会有低俗的审美和高雅的审美之间的冲突，每个时代的人，可能都会哀叹这是个最坏的时代，是个礼崩乐坏的时代，但是没关系，在低俗的审美之外，永远有坚持艺术创作的人，在为我们和后世的人，留下经典的作品。

  我们能够做的，就是尽量支持那些我们喜欢的东西，早就有人说了，喜欢什么，不要默默喜欢，因为讨厌它的人不会默默讨厌，

  你的每一次发声和支持，都是在为你喜欢的世界投票。

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• 好一朵曼妙的荷花

  作者：蒲公英 发布时间：2020-06-18 09:12:06

  才发现这本书读了6个半小时。这么短的时间阅尽叶嘉莹的一生，又见文字的力量。

  虽然读读停停，但是总会在间隙想起那个年代，跟随叶嘉莹先生从北京到台湾到美国回天津，和齐邦媛的《巨流河》如此相似。

  她们都经历了时代动荡，都通过教书完成自己的使命。惊涛骇浪之中有自己的坚守。我在思考，是什么让生命在历史滚滚洪流中熠熠生光？

  对于叶嘉莹和齐邦媛而言，有一个重叠的因素，老师。叶嘉莹的先生是顾随，齐邦媛的先生是朱光潜。看见了一朵云对另一朵云的推动。让他们在学生时期便有了高尚人格的耳濡目染。

  叶嘉兴一直引用顾随的话，以无生之觉悟做有生之事业，以悲观的心态过乐观的生活。这样能够彻悟苦难的同时找到希望的依存。我想这就是叶嘉莹文末叙述自己遭受三次打击依旧能有坚定前行的原因。

  叶嘉莹先生还在古典诗词中找到自己的寄托。虽然有些应和诗词格调不高，但是她能自如的将诗词与生活融为一体。再加上她从中国古典诗词理论出发，结合西方的文艺理论打通诗词和现代的隔阂。

  提出歌辞之词，诗化之词，赋化之词的类型，提出双重语境双重性别的解读方法。关注文化语码的联想，提出了词的弱德之美。完全建构了自己的理论体系。所以阅读时，总是觉得叶嘉莹在贴着文字语言走，她的解读并不空洞，而且从生命感发开始，让人有了一种阅读和创作的冲动。因为，动人的诗词就是动人的生命。

  经过深厚文化浸润的生命到了老年不是风烛残年。在网上搜索叶先生的讲课视频，丝丝白发反而有种从容不迫的美。略带颤抖的声音也有了岁月积淀的婉转的味。

  回到书名，之所以叫红蕖留梦，正是因为叶嘉莹出生在六月，夏日荷花正开，所以小名荷。她最后说自己的教学和研究从不带目的，因为目的一达到，主动探索就消失了。我想这样的想法是如此的通透，正如，中通外直，不蔓不枝。让年过八旬的她纯粹得像一朵夏日午荷，曼妙如此，让人倾心。

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