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• 眼睛是思想的一部分

  作者：劉丹青Shelia 发布时间：2018-11-14 19:10:54

  -人们常说，当今时代是特别关注观念的时代，当代艺术是观念至上的。诚然，一切艺术作品离不开对某种观念的阐释，但是如果绘画、雕塑等造型艺术不以形式语言去吸引人观看并打动人们的心灵，那么这些作品中观念的表达方式，只能是空洞的说教。

  -二维的表面可以很容易地以维的方式进行复制。难的是将三维的东西付诸二维表面。 这关系到诸多决定。必须进行风格化处理什么的，对它进行诠释。必须接受二维平面。不要试图假装它不存在。

  -不知道哪一位现代派评论家说过，风景画不可能再有什么成就了。但是…每一代人的观看方式都各不相同。风景当然还是可以画的，风景并没有日薄西山。

  -我们认为照片是终极现实，但是它不是。…我们的观看方式带有几何性，但同时也是心理的。…眼睛不是思想的一部分吗？

  -等角透视…以单点透视构建的画中观众自动地处在了画外，是从一个固定的点画的，因此观看者也同样地被固定了。

  -我用水彩是因为希望由我的手带出一种流动感，一定程度上是因为我学到的中国式作画态度。他们说绘画需要三样东西：手、眼、心。

  -《沃特附近较大的树》：这幅画不会让你想：“我想走进画里。”你的思想已经置身于画中了。这幅画吞没了你，这是我希望人们体验这幅画的方式。

  -事实上，我慢慢地觉得大多数人不过是扫一眼面前的地而已。只要地是清楚的，可以向前走，他们就不管别的。看是一种非常积极的行为，必须刻意去做。听也一样。若是专心倾听音乐，你就会听到更多的东西。如果音乐相当复杂，有东西可听的时候你就会专心倾听。这就是为什么，譬如说，德利勃(Leon Delibes)的芭蕾乐曲很好听，但你却不愿意常听，因为太容易懂了。不够复杂。

  -艺术有时也光芒四射。18世纪末，庚斯博罗(Gainsborough)在玻璃上画了一些小风景，是要放在发光的幻灯机里看的。路易。达盖尔( Louis Daguerre)，一种早期摄影程序一银版照相法一的发明者还发明了一种新的视觉景象，他称之为透视画( diorama)。在透视画里，光线穿透巨大的半透明画，展示出火、日落、火山喷发等戏剧性的自然现象。透视画是电影的鼻祖。借助不同的方式，艺术成为光线发射器，例子还有中世纪的彩色玻璃和拜占廷的镶嵌画一前者是因为阳光穿过它，后者是因为它会反射光线。

  -喜欢素描和痕迹制作的都会喜欢探索新的媒介。我不是个疯狂的技术型，但是一切视觉的东西都吸引着我。媒介就是如何做出痕迹，如何不留痕迹。

  -局限性是好事，它们是兴奋剂…毕加索说过什么来着？“如果一种红色都没有，那就用蓝色吧。”让蓝色看上去像红色。

  -想想康斯坦勃尔，和霍克尼聊一聊，让我明白了树为什么有郴。树是风景之间的存在，但也是空间和光的捕捉者。它们站在那里，站成了一种标志，分制着大地的表面；但是，它们身体里也包含着空间，特州是树枝光秃秃的时候。霍克尼指出，空间在没有边缘的时候是难以看到的。光秃秃的树木以一种复杂的方式让你感知到迷官一般的结构中存在的空间。就另方面而言，树叶的作用更像是光的容器。光线也不容易看到，除非落在某物上。很多时候，户外最大最复杂的物体就是树，树林， 森林。因此，常常是在看树的时候我们会真正发现某种光线的美。

  -1600年左右，卡拉瓦乔开创了一种极为新颖的绘画方式。其特点是极暗的光线和高度的现实主义。他对于真实模特或事物的再现方式总是如此自然主义，令同时代人震惊咋舌。与之不同的是，之前的意大利画家们会对于所见之物进行提炼和理想化处理。图像是经过思维过程过滤过的；卡拉瓦乔似乎将罗马街头的妓女和人们表现为圣徒了。这一切都可以用他使用类似相机的技术这一点来解释。

  -《大峡谷近景》：照片是从一个视点，是在镜头一闪之间同时看到一切的，但我们却不是。我们需要时间看它，空间因此而生。

  -霍克尼开始试验自己的新型电影，用9个装在汽车上的高清镜头拍摄，拍的东西同时显示在划分成9部分的屏幕上，有点像他那些由9块画布构成的油画，不过是运动的，每个图像都是从不同的视点看的。又一条信息来了:“我觉得9个镜头能开拓新的叙事方式。我们就像是在做可塑性极强的透镜。”

  -我们发现11世纪的时候中国人就摒弃了“灭点”的观念，因为“灭点”意味着观众一不在场，不在动。如果不动，就某种程度而言你就是死的。

  -你去过西西里的蒙雷亚莱大教堂( Monreale Cathedral)吗?那些镶嵌画在如今看来相当壮观，但是在1200年一定是壮观得让人难以置信的。太阳照在祭坛上，后面一片金光。一定是当时的人们见所未见的东西一最现代，最反常的东西，在那个自然占据极高主导地位的世界里。太阳下山的时候就上床睡觉。没有人工照明。如今，我们将这些镶嵌画视为艺术，但是那时的人不这么看。他们看到，往昔得到了极为生动的再现:真理。

  -戏剧和在空间中创造视错觉有关。戏剧设计是要营造各种各样的透视，但是在戏剧里，透视不能是极端真实的，因为透视的营造必须创造视错觉。

  -我从一个角落转而看另一个角落的时候，这样的观看就是在穿越时间，我想，无论如何我们的观看方式就是这样的一我们看的的确是片段，然后将一个又一个的碎片连接起来。时间以某种方式营造出了空间。

  -需要一种速度很快的方法。记住，在iPad上我可以进行迅速决断，想要什么颜色的背景就在什么颜色的背景上画。透纳一定会喜欢的：透明层可以做得非常非常微妙。…随后，我常常会回到画室，在那里做，因为看屏幕能更清楚一些。 我常常想莫奈一定也有一 套这样的体系，面对母题时他知道要做什么，随后回到画室作画。他会像我这样把东西画下来，之后再进行完善。

  -安吉利科修士的壁画：他用一种不可思议的方式将人物放在空间里，我觉得有点像我现在在做的东西。

  -在现实生活中，看屋里的十个人的时候要用到上千个视点。因为眼睛移动的那一刻变化就开始了。现实生活就是这样。眼睛是每时每刻都在移动的。眼睛向一个方向移动， 透视就朝着那个方向。因此，它是时时刻刻随着我眼睛的变化而变化的。

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• 存在的焦虑

  作者：大溪地月光 发布时间：2014-04-15 00:14:19

  在看这本书之前，我在看叔本华，他认为人的自身才是幸福的可靠来源。自身所拥有的精神思考能力，价值趣味就如同冰天雪地之中温暖的圣诞小屋，免于人因为受到意欲驱使寻找感官刺激需求在得到满足之时也即刻幻灭的痛苦、无聊与不幸。

  再看《不存在的骑士》，就像卡尔维诺在后记里自己说的，这更像哲学命题的探讨。人类，现代社会的人类，究竟需要什么来辨识自我的存在？

  不存在的骑士，阿季卢尔福象征的是那类崇尚意志力与克制的人。他们信奉的是规则，以及遵守规则的荣誉感。如果非要对号入座的话，很容易想到现实生活中那些在不同系统中却具有相同面貌的“战士”，他们有很强的驱动力去完成系统交付下来的指令，会把这种指令想像成一种使命感。他们看起来是强悍的，有点偏执的，可能是不通人情世故的（取决于系统的规则），不讨人喜欢却是不容忽视的。在职场上，这类人一般是工作狂（真不幸，仿佛看到了自己）。

  这类人当然是骄傲的，因为自认为在这个规则里面无疑是做得比别人好的。只是有一天，就像阿季卢尔福最后因为获得骑士封号的前提遭到了根本上的否定（就因为他当时救助的苏格兰公主不是处女，荒谬得精彩绝伦），他消散了。为什么当我们适度抽离出来去审视这类人的时候，会觉得他们很可怜呢？就像荒谬的骑士法典一样，他们一直所信奉的规则、使命，根本就是经不起推敲的。

  这种意志的强悍，因为不具备与真正的自我、真实的生活、自然连接，其实很容易幻灭吧？

  马夫古尔杜鲁就好像是阿季卢尔福的对照样本，是一个没有意识的纯粹客观存在。他原始得像是一个通道或介质，所有的内容和欲望都可以原封不动在这里通过，得到完整的体现。按照叔本华的说法，古尔杜鲁就是一个完全被意欲控制的人，没有任何认知力和思考力。但一直又有一个说法是，愚笨不知真相的人其实最快乐。所以，根本不需要考虑自我的存在这个命题，是不是真的就会容易快乐一点？

  小说里的男青年朗巴尔多可能是最不极端的人了，既有肉身，又怀着探寻自我存在的意识。他入伍的目的是为父亲复仇，他勤习武艺，热烈地跟阿季卢尔福讨教如何可以在战场上准确地找到仇人。结果，复仇以一种哭笑不得的荒谬形式完成了。朗巴尔多对于复仇的壮烈感、战争的正义感、骑士的荣誉感通通产生了怀疑。直到遇见了美貌的女战士布拉达曼泰（这简直就是个外表白富美内心女汉子式的人物），朗巴尔多对不存在的骑士一直存有的敬意（渴望被有经验的前辈指引），对女战士执着的追求（渴望以爱情来求证自我），极致浓缩了年轻人对于“自我存在”的探寻。路且长着呢。

  结局安排“我”（写作这本书的修道院修女）其实就是隐居的女战士布拉达曼泰，有种一层叙事和二度叙事最后在某个节点上完成相遇的完整感，圆形结构。感觉像是卡尔维诺开的一个玩笑，也是他一贯的讲故事的方式，这种手法在《如果在冬夜 一个旅人》里面简直过度到令读者的情绪支离破碎到可怜（我反正看得很烦躁，想说有完没完？！还讲不讲故事了？）。这种结局解读太多形而上的意义反而不好玩了。

  关于如何辨识自我的存在，讲太多抽象的原则其实并不具备现实的指引意义。只能去尝试，去经历，去验证。

  就好像结尾索弗罗妮亚说的

  “我们过去也不懂得应当怎样生活留在世界上，也是边生活边学会”

  对了，卡尔维诺和叔本华对照看，倒是一件挺有意思的事情。

     

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• 我爱你爱着这个世界的可爱样子

  作者：鸡汤 发布时间：2015-07-27 17:09:47

                作为一个病入膏肓的悲观主义者，我一直深信狂喜或大悲是使得一个作家或诗人得以升华的两种重要情愫，另外一种能源源不断激发诗人灵感的应该是孤独。事实上，被我忽略的还有一种更厉害的情感，那就是爱。

               1972年，还是大学老师的29岁的三毛在兰屿岛上邂逅了见习修士丁松青。在这个旅者的眼里，这个仅比她小2岁的青年简直自带光辉，时隔多年，三毛的脑海中依然清晰地留存着初见这个青年的印象：他“不算太高的个子，头发剪得规规矩矩，牙齿极整齐，眼神温柔友善，算得上英俊，一身舒适清洁的旧衣，脚上一双凉鞋，很羞涩，极纯净，脖上一条粗链子挂着一个十字架，没有言语，只是站在我面前。”三毛喜爱这个帅气的纯净青年。这种喜爱很容易让人联想到三毛初见另一个少年时的感受，那个少年叫荷西，一个几乎贯穿三毛全部文学生命的男主角。

                三毛回忆初识十八岁荷西时候的印象，心底里有一丝虚荣，“哇！天下竟然有如此帅气的男孩？！”然后是六年后的重逢，再然后是六年后的永诀。这种宿命论式的轮回加上三毛的自杀，成为三毛故事流传至今的一条引线，同时也成为众多读者诟病三毛“耽于幻想”的导火线。如今重看三毛与荷西的故事，不知道有没有人会说三毛也是“玛丽苏附体”，她生命中有那么多年轻帅气的男孩路过，还有一个帅到不要不要的男孩爱她爱到生命终止。在邂逅帅哥神父丁松青的第二年，1973年，旅居沙漠的三毛与荷西登记结婚。自此，她与这个大胡子帅哥的爱情故事源源不断地出现在台湾的媒体报纸上，1976年她的第一部作品《撒哈拉的故事》结集出版，随后一发不可收拾，《雨季不再来》、《稻草人手记》、《哭泣的骆驼》一部接一部。直到1979年，她的荷西意外去世，随后两年她出版了《背影》、《梦里花落知多少》、《万水千山走遍》等作品。纵观三毛的文学生涯，她写的最好的或者说最受欢迎的文字，正是她与荷西故事延续的前后。

                我想大多数跟我一样曾热爱三毛文字的人，并不多是对三毛编织的爱情故事的垂涎，更多可能是迷失在了她用文字编织的精彩生活里，而她所编织的生活浸淫着她对这个世界的理解和爱以及她对爱情本身的爱。三毛是一个诗人，我们可以冒失地假设一下，假如生活在她故事里的男人不叫荷西，而是另一个叫丁松青的帅哥，或者任一个“帅”到足够爱她并被她所爱的男人， 她都能讲述出动人的故事。她所讲述的是关于“爱”的故事而不仅仅是爱情故事。

               三毛对修士丁松青的爱，她以翻译他的三部作品来呈现。《兰屿之歌》、《清泉故事》、《刹那时光》分别于1982年、1984年、1986年出版。了解三毛故事的人知道，这六年正是她为痛失所爱煎熬受苦的日子，但两年一本，三毛以诚意和信任报答她所喜爱的丁松青。在这本内地版《兰屿之歌 清泉故事》的集子里，我们看不到更多三毛与丁松青的情谊，最直接的文字来自于封面勒口，“一九七二年，与三毛在兰屿岛上偶然认识，由此开始了两人长达二十年的友谊。”看到这句“长达二十年的友谊”，我忍不住在想，这二十年里他们是经历了怎样的鸿雁飞书，又历经了多少次见面、交流、长谈，才结下这深厚的友谊。但可惜这本书没有告诉我们更多，仅有的三毛的文字里传达出的不过是一次初见和一次相隔了十年的再见，再见时他们讨论的不过是出版丁神父的书。在三毛的其他文字提到神父丁松青的语言并不太多。

               这份深情厚谊我不能懂得更多，在三毛不算漫长的写作生涯里，她亲自为之翻译而忙于出版的散文作品有且只有丁松青神父的三部，她并且赋予她们特别美好的名字。她是这样不遗余力“推销”她对丁松青三部作品的爱的，她说：“我深爱这一本有生命，有爱心，有无奈，有幽默，又写得至情至性的好文。”她还说：“这是一部真真实实的生活记录，再没有什么书籍比真实的故事更令我感动。更令人惊讶的是他的才情，第一本书，如果没有一个如此美丽而敏感的诗人之心，是不容易写得如此传神的。”字里行间，句句是三毛对丁松青文字的褒扬，甚至于爱。三毛说，1979年冬（也就是荷西去世之后）她“丧失了生的意志，也丧失了信仰的能力”，而正是这时她接受了这些书稿。如果说，三毛对丁作的褒扬是出于她对作者的爱，或许她更爱的是这些由神父真实记录的文字像回魂的药一样唤醒了她对生命的爱。是爱延续了她对文字的热情。

             《兰屿之歌 清泉故事》是一个神父旅居世间的记录，记载着他对风土、人情和点滴生活的记忆和爱，质朴，真实，毫无杂质，而三毛的译文则令他的记录变得轻盈，有了生命和沉甸甸的分量。

              要记住，丁松青可是三毛唯一为之翻译作品的人，此后再无其他。

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• 文艺复兴我们了解有多少？

  作者：抚顺读书人 发布时间：2013-03-25 06:37:55

  文艺复兴我们了解有多少？《时代印记》

     我们都知道文艺复兴，可是我们对真正的文艺复兴又了解多少？提到文艺复兴，我们能说出来不过就是一位诗人——但丁，三位艺术家——达芬奇、米开朗基罗还有拉斐尔，其实这三个名字的普及还要得益于一部叫做《忍着神龟》的日本动画片。如果还能够说出来一本书，叫做《十日谈》的话，那么就可以认为你的文化水平已经高出了普通的读者一大块。

     然而这就是文艺复兴了吗？还差很多很多。虽然从鸦片战争中西文化开始了剧烈的碰撞，但是直到今天，我们大多数中国人对西方文明的了解还是只停留在很表面的程度，文艺复兴这个影响西方文明历史的这么重要的一个时代，你可以到图书网站中查查，除去给孩子们看的普及读物，看看能查到几本，而且即便是很是有限的几本，作者也都是来自西方。

     这本《时代印记：文艺复兴三百年》其实也算不上是纯粹的学术作品，不过是在向普通读者们，介绍一下文艺复兴的历史和脉络，让我们看看文艺复兴到底是怎么一回事，当然作者依然是欧洲人。

     不过这本书的可贵之处在于里面提供了大量印刷精美的插图，其实文艺复兴最重要的就是艺术的复兴，尤其是美术的复兴，你能够说出来文艺复兴中的音乐、戏剧的大师和代表作品吗？没有，你能看到的只是雕塑、建筑和绘画，加上一点文学，这些就是文艺复兴的主流了。所以脱离了图片，你不可能看到完整的文艺复兴。

     在书中在图片的配合下，文艺复兴变得具体而生动：“在印刷术发明之前，只有极大型的图书馆才能容纳多达600本的书，欧洲的总藏书量也不超过10万册。而在书籍首次印刷的45年后，也就是1500你那，全欧洲的书籍已达900万册。”文艺复兴之所以发生，肯定有着财富的积累、技术的进步、文化的繁荣的背景，漫长的积累才得以出现短暂的爆发。

     那些精美的艺术品，不仅仅出自三位大师之手，还有多纳泰罗、韦罗基奥、波提切利、乔尔乔内、丢勒、提香、丁托列托等等艺术家，还有更多的没有名字却依然才华横溢的工匠们，靠着并不丰厚的报酬，不计时间，不计代价，为我们留下了无数完美的艺术作品。在意大利，在罗马，在梵蒂冈，在佛罗伦萨，在米兰，到处都可以看到这些建筑、雕塑和绘画，在欧洲的各大博物馆中，你都可以找到文艺复兴的杰作。

     中国国家博物馆举办了一场《佛罗伦萨与文艺复兴：名家名作展》，从去年夏天一直延续至今，这是我第一次见到文艺复兴的大师真迹。当面对拉斐尔的自画像和达芬奇的素描作品时，那种感受是从画册和电脑中无论如何也体验不到的，看着大师们的笔触，体验着文艺复兴的气息。但是更让我震惊的是波提切利的大幅壁画，还有那么多那么多并不知道名字的文艺复兴作品，虽然我是学美术专业的，但是这些作品都是我第一次见到，虽然我叫不出这些画家和作品的名字，但是和那些大师的作品同样都足以打动你的心。你必须承认从艺术价值上看它们都是了不起的杰作，我们熟悉的三位巨匠不过是其中的代表，我们必须承认面对文艺复兴我们了解得还是太少。

     随着中国的飞速发展，我们和西方的接触越来越多，更多的中国人走进了欧洲，走进了意大利，走进了“文艺复兴”，同时更多的关于文艺复兴的图书也会一点一点来到中国，像这本图文并茂又很全面的介绍文艺复兴的书会越来越多，相信我们古老的中国对于影响了西方世界的文艺复兴会越来越了解。

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• 作为入门书籍还行，可以作为参考书

  作者：MrROY 发布时间：2012-01-06 15:41:17

  算是普通的参考书了，没有特别有深度的讲解。其实就是一本正常的介绍mongoDB是怎么用的，也可以作为nosql学习的入门。

  作为指南书，还是很合格的符合期望。

  不像某些书动不动《精通XXX》、《深入理解XXX》，挂羊头卖狗肉，这本算是挂狗头卖狗肉。

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